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FOTOGRAFÍA URBANA

1. Fotografiar con un plano cerrado un objeto o cosa formato 3:4 y color

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El profesor nos pidió hacer dos fotos a una flor en primer plano para ver las diferencias entre el color y el blanco y negro. Con esta primera foto a color me di cuenta de lo difícil que es conseguir una buena imagen cromática, ya que los tonos llamativos, como el rosa vibrante, absorben toda la atención y pueden saturar la composición. Además, al mostrar el color real, la foto se vuelve simplemente descriptiva y deja menos margen a la imaginación de quien la mira.

2. Fotografiar con un plano cerrado un objeto o cosa formato 3:4 y B/N

Siguiendo el ejercicio, hicimos otra foto en blanco y negro. Aquí me resultó mucho más fácil lograr una imagen que se viera bien y transmitiera algo más artístico. Sin la distracción del color, la mirada se centra directamente en las luces, las sombras y las texturas de los pétalos. Además, al no saber de qué color es la flor realmente, la foto invita a la imaginación y le da más espacio para interpretarla.

3.  Fotografiar con un plano cerrado un objeto o cosa 1:1 y en B/N

En esta segunda parte de la sesión, el profesor nos introdujo el formato 1:1 (cuadrado) para fotografiar elementos urbanos específicos en blanco y negro. Con este ejercicio me di cuenta de cómo cambia una foto según el formato que elijas, aunque el objeto sea el mismo. Al no tener la orientación horizontal o vertical típica, el formato cuadrado obliga a pensar la composición de otra manera. Resulta mucho más fácil centrar el objeto principal, equilibrar los elementos y dirigir la atención directa a las formas y los detalles sin que haya espacio sobrante a los lados.

4. Fotografiar en horizontal un plano cerrado y un plano general 4:3 en B/N 

Para ver la diferencia de formatos, el profesor nos pidió hacer una toma más general y otra específica en formato horizontal para comparar el resultado. Al tomar la fotografía general, comprobé que la foto quedaba sin más, y no transmitía demasiado, ya que al haber tantos elementos juntos se pierde el foco de atención. Además, el formato horizontal hizo que fuera más difícil encajar la composición de forma limpia, dejando demasiado espacio libre a los lados sin un sujeto claro que destacara. Sin embargo,  en el primer plano en formato horizontal me di cuenta de lo mucho que gana una fotografía cuando te enfocas en un detalle concreto, ya que llama mucho más la atención y tiene más personalidad. Aunque al ser horizontal costaba un poco más encajar el objeto que en un formato cuadrado, centrarse en las texturas y en un punto fijo hizo que la foto fuera bastante más interesante y expresiva que la general.

5. Realizar una serie de retratos y autorretratos en formato 1:1 B/N

Para la siguiente parte de la sesión nos desplazamos de sitio para empezar a trabajar el retrato en blanco y negro, explorando cómo interactúa la persona con el entorno mediante el uso de los objetos y fondos que teníamos alrededor. En este ejercicio aprendí que un retrato no depende solo del rostro, sino de cómo compones la imagen con lo que le rodea: por ejemplo, al usar las rejas del fondo buscando que sus líneas continuaran con las rayas de la camiseta de mi compañera, logré un juego visual más dinámico y creativo. También experimenté combinando el sujeto con elementos de la calle, como un dibujo en la pared o la perspectiva de un callejón a un lado, para encajarlo todo en una misma escena, o buscando el contraste entre las texturas del entorno (paredes rugosas, bajantes o fondos lisos) y la propia figura. Con todo esto me di cuenta de que jugar con el fondo y la composición permite darle más intención al retrato y hacer que la foto transmita mucho más que una simple foto de carnet.

También probamos el autorretrato para explorar una forma diferente y más directa de fotografiarnos a nosotros mismos. Aunque siento que el resultado no terminó de quedar del todo bien, la experiencia me sirvió para probar otra manera de abordar el autorretrato. Al hacer un selfie, la cercanía de la cámara y el control sobre el encuadre cambian la perspectiva respecto a un retrato normal, haciéndote consciente de cómo la distancia, el ángulo de la cara y la postura influyen en lo que transmite la imagen.

6. Serie fotográfica colectiva de retratos en cadena 1:1 B/N

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En esta actividad, el profesor nos propuso crear una secuencia de fotos utilizando a nuestros compañeros/as como modelos, colocados frente a la reja de un local. El reto principal fue aprender a dirigir a la persona detrás de la cámara para conseguir miradas, gestos y posturas más espontáneas, evitando que la foto quedara forzada o demasiado posada. Con este ejercicio me di cuenta de que en el retrato la comunicación es clave: guiar sutilmente la mirada (hacia el frente, a un lado o hacia arriba) y capturar ligeros cambios de expresión hace que la secuencia gane dinamismo y que las imágenes se sientan mucho más naturales y expresivas.

7. Serie fotográfica de escaparates y personas 1:1 B/N

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Para cerrar la sesión, practicamos la fotografía de  personas y escaparates, donde aprendí a reaccionar rápido ante la espontaneidad del entorno urbano. Capturar a las chicas con las maletas buscando su piso turístico me sirvió para entender el valor de la fotografía documental y cómo contar historias cotidianas. Por otro lado, al ver al profesor fotografiando el escaparate de figuras religiosas, aproveché para hacerle una foto en pleno proceso creativo, jugando con la idea de la "foto dentro de la foto" y el reflejo del espacio. Finalmente, siguiendo la pista del profesor para dar vida a un objeto inanimado, encuadré la bolsa con la imagen de Frida Kahlo como si fuera un retrato real, comprobando cómo la composición, el reencuadre y la luz de la calle pueden hacer que un elemento estático adquiera presencia y expresión propia.

8. Fotografías extra formato 1:1 B/N

Durante la siguiente semana después de la clase, aproveché un concierto para aplicar lo aprendido en situaciones reales y espontáneas. En la primera foto, me llamó la atención cómo una chica disfrutaba del concierto, así que busqué capturar ese momento personal y lleno de emoción en mitad de la multitud. En la segunda, me centré en el cartel del tour proyectado en la pantalla junto al público expectante, reflejando esa tensión y ambiente previo al inicio del espectáculo. Por último, en la tercera foto jugué con la composición y el efecto espejo: al salir el público tanto abajo como en la pantalla gigante, se crea un juego visual interesante donde el cantante queda desplazado a un lado, haciendo que la propia energía de las personas sea el verdadero foco de la imagen. El uso del blanco y negro en las tres tomas me ayudó a potenciar las luces, las siluetas y la atmósfera del directo sin la distracción del color.

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